Una dinastia tedesca “minata”, la matita

 “Ti volevo anche raccontare di alcune matite Faber-Castell che ho trovato. Sono sottili al punto giusto; molto morbide e di qualità superiore rispetto alle altre. Hanno un nero magnifico, ideale per i bozzetti di grande formato. Io le ho usate per disegnare una donna che cuce su un tipo di carta grigia fine e danno un effetto del tutto simile a una stampa litografica”. (V. Van Gogh, “Lettere a Theo sulla pittura”, 1883)

 Da falegnami a baroni

 La fabbrica più antica per la produzione di matite è la tedesca Faber-Castell®, tuttora una delle aziende leader, a livello mondiale, del settore. Fu fondata nel 1761 da un falegname di nome Kaspar Faber che decise di dar vita ad un piccolo laboratorio nel villaggio di Stain, a due passi da Norimberga; si dedicò dapprima alla produzione di matite in pura grafite inglese e poi, dopo l’invenzione di Conté, alle mine colorate e, ovviamente, anche a quelle in grafite e argilla. Il lapis “francese” però, molto probabilmente, non era stato considerato in tutte le sue possibili funzionalità; d’altronde era stata ideato per far fronte ad un’emergenza “nazionale” e tutto sommato rappresentava solo un prototipo. Le potenzialità di questo impasto argilloso non sfuggirono invece a Lothar Faber, pronipote del falegname Kaspar, che dopo aver preso in mano le redini dell’azienda di famiglia nel 1839, scoprì che era possibile realizzare mine con diverso grado di durezza e di “nero” miscelando in percentuali diverse l’argilla e la polvere di grafite. Ancora oggi la sua scala HB (dove H sta per hardness – durezza – e B per blackness – annerimento/ grado di nero) e la numerazione da 1 a 8, indicano una mina più o meno resistente, oppure una maggiore o minore intensità di colore. Il giovane imprenditore tedesco lanciò anche la famosa forma esagonale e stabilì gli standard di lunghezza e di diametro della matita, poi accettati anche a livello internazionale. Per valorizzare le sue matite decise di stamparvi il marchio “A.W. Faber” (dal nome del nonno, Anton Wilhelm, figlio del falegname Kaspar) e con un baule in legno intarsiato pieno della sua ricca produzione di matite, prese a girare le più importanti capitali occidentali per mostrarla alle migliori cartolerie dell’epoca. Nel 1862, per i suoi meriti imprenditoriali, Lothar venne nominato “barone” dal Re di Baviera e diventò von Faber. Dopo la sua morte, nel 1896, l’azienda passò alla nipote Ottilie che due anni più tardi sposò il conte Alexander zu Castell-Rudenhausen, ex ufficiale e primogenito di una delle più antiche e importanti famiglie aristocratiche tedesche. Quando quest’ultimo assunse la carica di amministratore nacque il marchio Faber-Castell®; sotto la sua guida l’azienda continuò a crescere e fu lui a lanciare la matita verde Castell 9000, il pro- 152 dotto più venduto di sempre e piccolo simbolo fortunato di questa leggendaria dinastia imprenditoriale che tuttora ha sede a Stein, in Baviera. Nota aggiuntiva nel museo Faber-Castell® di Stein è esposto anche l’esemplare più antico di matita in legno; risale al XVII secolo e fu ritrovato tra i ruderi di una falegnameria bavarese. Dura o morbida? In commercio si trovano due tipi di matite: il cosiddetto“lapis” o “matita”, formato da un cannello di legno, in cedro della California nelle linee di prodotti migliori, che contiene la mina e il “portamine”, con mine intercambiabili, fabbricato in metallo o plastica. Le matite in legno possono essere esagonali – come quelle inventate da Faber – oppure rotonde; le prime permettono una più sicura impugnatura, mentre le seconde sono più maneggevoli se si devono eseguire tratteggi che presuppongono posizioni diverse della punta. Non a caso molte matite colorate sono in questo formato… Anche attualmente è utilizzato il sistema di classificazione inventato da Lotar Faber. Non è però solo la percentuale dei minerali utilizzati a differenziare le gradazioni della mina; anzi, ad incidere maggiormente in questo senso, spesso sono la maggiore o minore presenza di cera o paraffina e il tempo di essiccazione dell’impasto. Nelle mine di tipo: – H prevalgono argilla e paraffina e il tempo di essiccazione è lungo; sono anche definite “tecniche” poiché, grazie al tratto fine e pulito si prestano molto bene all’esecuzione di li nee e forme geometriche tipiche del disegno tecnico; – B prevale la percentuale di grafite, mentre è bassa o molto bassa quella di paraffina e il tempo di essiccazione è breve; sono, al contrario, definite “artistiche” in quanto produco no un segno marcato e morbido molto simile al pastello e al carboncino – HB ed F le percentuali di elementi e il tempo di essiccazione sono intermedi fra le H e le B; rappresentano, di fatto, lo standard commerciale poiché tracciano un segno ben defini to senza sporcare eccessivamente. La numerazione della mina, invece, è stata diversificata rispetto alla 1 – 8 iniziale. Oggigiorno disponiamo di diversi formati che vanno dalla 9H – durissima, dal tratto molto incisivo e dal colore argenteo – fino alla EE – morbidissima, e grazie alla quale si può ottenere un tratto nero molto intenso. Più precisamente, in successione: 9H 8H 7H 6H 5H 4H 3H 2H H HB (media, ma più dura) F (media, ma più morbida) B 2B 3B 4B 5B 6B EB EE La tecnica di fabbricazione è pressoché identica a quella descritta per le mine colorate. Anche la colorazione gialla del rivestimento esterno di molte matite è legata alla ditta Faber- Castell® e, di fatto, ormai è uno standard da moltissimi anni. Una storia intrisa di leggenda e legata a Lothar Faber che, a metà del XIX secolo, cominciò a sfruttare un giacimento di grafite di ottima qualità in Siberia, ai confini con la Cina; per identificare le matite ottenute con questo materiale così prezioso decise di farle dipingere esternamente di giallo, in onore al Paese del Sol Levante in cui questo colore è considerato assolutamente sacro e portatore di grande fortuna. Evidentemente qualcosa di giusto su questa convinzione deve proprio esserci visto quanto capitò a Lothar Faber e alla sua ricchissima discendenza…

tratto dalla tesi di Gianluca Merlini di diploma in arte terapia presso Art Therapy Italiana:  

  ” Materiali e… Leganti ” i materiali  nell’esperienza clinica        

  ( Anno accademico 2003 2004   relatore Donatella Mondino)

Delicate trasparenze: da borghesi dilettanti ! gli acquerelli

“Ci sono momenti in cui non vorrei far altro che dipingere.

Pure sonorità come solo gli acquerelli sanno dare…”

(V. Kandinskij,

“Lettera a Jawlensky”, Dessau 5 gennaio 1928)

Turner & Co.

Fino all’inizio del XVIII secolo non si può parlare di acquerello in forma propria e autonomao, almeno, non per come noi la intendiamo attualmente.Nell’antico Egitto, in Cina, in Giappone – come in varia misura in diverse epoche e culture -è chiaro che si trova diffuso il “colorire” con pigmenti legati a gomma arabica o adragante, ma non come tecnica artistica vera e propria.

Anticamente, infatti, l’acquerello servì nei dipinti e nelle miniature per donare una particolare tonalità o aggiungere specifiche determinazioni, saggiare l’esito cromatico nei disegni preparatori di opere maggiori o per colorire disegni d’architettura e incisioni. Oppure ancora per le illustrazioni di opere di argomento botanico e zoologico. Eccezionali per qualità sono spesso i disegni preparatori con l’ aggiunta del colore che ci danno una trascrizione più diretta del momento della formazione dell’immagine e sono acuta spia della sensibilità dell’artista.

Tra i primi acquerelli in senso moderno citiamo quelli di Albrecht Dürer (1471 – 1528)che operò usando la tecnica del “disegno a penna acquerellato”; fece studi di animali e di piante con colori ad acqua, disegni a pennello su carta colorata in azzurro o verde e 31 foglicon rappresentazioni di paesaggio dove l’acquerello esaltava la straordinaria luminositàdell’insieme consentendo di far emergere anche i più piccoli particolari.

Le straordinarie trasparenze plastiche dell’acquerello compaiono, saltuariamente, in alcune opere di pittori fiamminghi e olandesi dei ‘600, ma inizia la sua straordinaria ascesa come tecnica artistica solo nel XIX secolo con la scuola inglese capeggiata da Thomas Girtin (1775- 1802), John Constable (1776 – 1837), William Turner (1775 – 1851) e Richard Parkes Bonington(1802 – 1828). Grazie a questi artisti l’acquerello per la pittura di paesaggi acquista autonomia e autorità come genere proprio tanto che – sempre in Inghilterra – viene fondata una “Society of Painters of Water Colours” la quale definì ufficialmente anche la composizione fisico-chimica definitiva dell’acquerello per artisti: pigmento, gomma arabica e glicerina.

Questo materiale artistico però non si prestò come arte capace di portare significati e funzioni di largo interesse nella società dell’epoca poiché è una tecnica che accentua soprattutto il momento artistico individuale, sia nella genesi che nella fruizione.Fu, almeno in una fase iniziale, considerata addirittura un’arte specificamente “borghese”…tuttavia, questo non fu un limite poiché proprio questa considerazione fu la base del suo successivo sviluppo su ampia scala.

A determinare la fortuna di questa tecnica, infatti, furono – ancora sul finire del Settecento – due fenomeni collaterali, ma significativamente borghesi: – la “decorazione” che si spinse a dipingere mobili, paraventi e diversi oggetti d’uso comunecon una tecnica di gradevole risultato, ma poco costosa; – il diffondersi del “dilettantismo” poiché l’acquerello era considerato una tecnica artistica molto semplice – se paragonata alla tempera grassa o all’olio – e per questo motivo divenne spesso elemento di “apprendimento estetico” nell’educazione e occupazione delle ragazze giovani della classe sociale borghese.

tratto dalla tesi di Gianluca Merlini di diploma in arte terapia presso Art Therapy Italiana:  

  ” Materiali e… Leganti ” i materiali  nell’esperienza clinica        

  ( Anno accademico 2003 2004   relatore Donatella Mondino)

Mandalas

 Vi segnalo questo video che trovo molto interessante e ben fatto

I recommend  this video I founded very interisting and beautiful

Melania

Art Therapy Without Borders International Postcard Art Exchange

alAlcuni esempi di cartoline che sto creando  per l’ Art Postcard Exchange. Interessante e diverso dal solito lavorare su un formato cosi piccolo!(12 cm x 8 cm).  Sono fatte  con: stoffe, tela da sacco, cartoncino, veline, acquerelli.

Melania

Some examples of  postcards I am making for  the  Art Postcard Exchange. Interesting  working in a such small format !( 12 cm x 8 cm ) .They are made of : cardboard, watercolour, cloth material, lace, sackcloth.

Scultura su pietra – Stone sculpture

 

E’ una piccola testimonianza di un’esperienza fatta la seconda settimana di agosto sulle
montagne tra Ivrea e Aosta:  un corso di scultura su pietra il posto era bellissimo, molto spartano ed essenziale, si scolpiva in mezzo alla natura, sotto gli alberi da frutta, con un maestro scultore bravo e carismatico. Reduce dall’anno di formazione piuttosto impegnativo appena trascorso, sono partita molto sicura di me pensando che “finalmente avrei potuto apprendere una nuova tecnica”, senza lavorare troppo di “pancia” e tutto il resto, che avrei fatto un disegno e avrei seguitoquello…Beh, niente di tutto questo, appresso a questa pietra arenaria di Verona c’ho pianto due giorni!
Facevo fatica a seguire quello che mi suggeriva la pietra e la sua forma, il suo
andamento “accogliente”, le sue spigolosita’, il suo suono, mi rimandavano continuamente a “un abbraccio” che per due giorni ho cercato di contrastare. Alla fine mi sono arresa ed e’ uscito quello che doveva uscire e che si puo’ vedere nella foto.
Una cosa bella e’ stata anche la sensazione di familiarita’ che ho avuto con gli
attrezzi, come se ci avessi sempre lavorato.L’esperienza e’ stata molto intensa, ho dovuto togliere, scalfire, ascoltare, osservare, lavorando con ascia, martello e scalpello e, l’ultimo giorno, sono passata alla lima per ammorbidire e lisciare la superficie. Alla fine ho potuto guardare questo abbraccio con occhi diversi.

Regina

That is a small attestation of an experience I had in the second week of August 2010 on
the mountains between Ivrea and Aosta: a  training course of stone sculpture.
The landscape was beautiful, very basic and essential; we carved in midst of nature,
under fruit trees, guided by a clever and charismatic master sculptor.Since I was back from the pretty hard year of art therapy training , I left very sure of myself thinking “I will learn a new technique, without working too much with deepest side of my emotions.” I thought I should do a drawing to follow… Well, nothing of this happened and I spent two days crying on my arenaria stone from Verona.
It was hard to follow the suggestions from the stone. Its form, its hardness, its sound,
all of this continually reminded me to an “embrace”. I have tried to contrast this
suggestion for two days but in the  end I gave up and the sculpture I have made is the
one you can see in the picture. I was pleasantly  surprise by  the feeling of familiarity I had with the instruments, and it was like I had always worked with them. The experience was very intense, I had to remove, scrape, listene and observe, working with hatchet, hammer and chisel. In the last day, I have started to use a file in order to make the surface of mysculpture more soft and smooth.In the end I was able to look at the “embrace” with different eyes.

Sand Art

Ecco qui qualche foto e un video di un artista curioso!http://www.jimdenevan.com/jim.htm

Isotta  (da Torino )

Here some pictures and a video by an interisting and peculiar  artist !http://www.jimdenevan.com/jim.htm

Exhumed books

Belli i lavori di Rithika Merchant! (www.rithikamerchant.com): lei  è una giovane artista di origine Indiana, la parte più interessante  del suo lavoro per me  sono gli  exhumed book(“ libri riesumati “), dove riesce con vecchi libri, oggetti e  vecchie mappe  a dare vita a composizioni tridimensionali.

Melania

I love the beautiful works of Rithika Merchant, (www.rithikamerchant.com). the young young artist from Bombay.  The most fascinating part of her work  to me is  her work on exhumed books where she gives life to three dimentional compositions by  only using old books, objects and maps.

Altered art

Lo sapete in cosa consiste l’ “altered art”? potete avere un’idea se visitate questo sito:

www.environmentalgraffiti.com/featured/dead-cassette-tapes-reincarnated-skeletons/17849

Forse ha una definizione ufficiale in italiano ma io non la conosco.

E’ qualcosa che nella sua forma più semplice, facciamo spesso: quella di tramutare un vecchio oggetto in qualcosa di nuovo. Penso che per noi arte terapeuti sia un grande stimolo e ci sono delle trasformazioni incredibili, come quelle che si vedono nel sito, da audio-video cassette in……andate a vedere!!! se faccio qualcosa di “altered art” che vale la pena, invio una foto. perchè non le pubblichiamo su questo blog?

buon divertimento, Mimma

Western spaghetti by PES

Pes ( famoso animatore spagnolo) è uno degli artisti  a cui si è inspirata Giulia Sagramola  nella realizzazione  del video  girato durante il Workshop di flip book e animazione in stop-motion tenuto da  per FREeSHOUT!? 2009, a Prato:http://www.vimeo.com/6990932.

L’ animazione in stop-motion si avvale della ripresa di oggetti/ritagli di carta/disegni/persone tramite una macchina fotografica. Ogni scatto equivale a un secondo, per questo si chiama animazioneframe per frame.In questo caso il video è stato realizzato utilizzando lo spezzone di un film a cui, ogni partecipante ha dato la sua interpretazione visiva: disegnandoci sopra, utilizzandolo come supporto per dei collage o seguendo il filo delle immagini per creare altri disegni ad esso sovrapposti. Realizzare una piccola animazione in stop motion potrebbe diventare un buon progetto per le scuole, ad esempio con adolescenti.Per i curiosi, ecco un breve elenco di animatori ( si possono trovare i loro lavori anche su you tube): Norman McLaren / Yuri Norstein / The Brothers Quay / Pes / Michel Gondry / Gianluigi Toccafondo / David Anderson / Gisèele Ansorge.

Buon divertimento!

Aurora

Ricetta per Didò

Ricetta per il didò

2  bicchieri di sale fino
4 bicchieri di farina bianca
4 bicchieri di acqua
4 cucchiai di olio d’oliva
4 cucchiai di cremore di tartaro
coloranti per dolci.

mescolare il tutto e cuocere a fuoco medio, in pentola antiaderente,
mescolando sino a che l’impasto non si stacca dal tegame.

ottimo per lavorare con bambini piccoli

Melania